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室内楽だとかオケをやっていると、
音楽ホールや公共施設の練習場を借りることがあります。

公共施設の予約はまだまだネットはおろか、電話だけでは済まされず、
窓口で申請書を出さなければならないところが多くあります。
そして、その窓口営業時間が平日9時～17時のところもあります。
土曜日も開けていればいいほうではありますが、
平日昼間に誰が申し込めるというのですか。

なんとかしたいものです。議員にでもなりましょうかね。

演奏会など本番が近い日の昼休み、
カラオケボックスで練習することがあります。
いいやり方を見つけた！と喜んでいたのですが、
最近、楽器を演奏する者にとって、意外にポピュラーな方法になりつつあるようです。

防音の練習室なんて借りるより、よっぽど安上がりです。
ピアノがいらない場合は、カラオケボックスで十分です。
もちろん、練習に飽きたら、歌えるのです。

勤務先から近い、お気に入りのお店は、
昼間はドリンクバーが無料ということもあり、焼きそばを頼んで１時間800円。
普通のランチより安かったりします。

高校生などの初心者の演奏を聴くと、
楽器が「鳴っていない」ことに気づきます。
これは、楽器が音を発していないということではなく、
楽器本来の音色が十分に発揮されていないということです。

大きな音が「大きな音」として役に立つためには、
それに対比する小さな音が必要です。
楽器が「鳴っていない」状態で単に音を小さくしようとすると、響きのない、
音が小さいだけの、演奏効果としての「小さな音」が出せない状態になります。
もちろん、楽器が鳴っていない状態では音を大きくすることもできません。
つまり、最初に学ぶべきことは、楽器を「鳴っている」状態にすること、
楽器本来の音色を十分に引き出し、響かせてやることです。

初心者が自分のボーイングやフレージングを考えるとき、
楽器が十分に響いている状態を最初に作ってから、
それをもとにさまざまな判断を加えていくことが大切です。

大人になってから楽器を始める初心者自身にとっては、
指導書に書かれていることが
必ずしも自分にとって「正しいこと」とは限らないということを以前言及しました。

では、どのようにして「正しいこと」を知るか、というのが問題になります。
どのようにして「正しいこと」に近づけるのか、という方法も考えなければなりません。

もちろん、レッスンについていて指導を受けていれば、
受講者に合わせた指摘を受けることができる可能性が高いのですが、
部活動やサークル活動などで、体系的な指導を受けられない場合、
例えば、2 人組で対面で練習を行う、鏡を使う、
何らかの自己を検証する方法を見つけることが、
自分に合ったボーイングを身に付けるためにも必要なことと考えています。

最近で言えば、おすすめは
スマホでの動画撮影（練習状況の“自撮り”）です。
何でも便利なものがあるこの時代、上達のためには使わない手はありません。

左手は丸みを保ち、力を入れてしまわないように生卵を持つ感覚で、と言われます。

そもそも左手に力を入れてはいけない理由は何でしょうか。

それは、普通に指を動かすことはもちろん、
ポジション移動や、ヴィブラートなど、さまざまな指の運用の妨げになるからです。
これは、逆に言えば、
ヴィブラートをしつつポジション移動できれば、左手に無駄な力が加わっていない、
理想の状態だということが言えます。

なので、ある程度、左手の形がマスターでき、指を押さえる角度が理想的であれば、
音階がままならない段階でも、
いきなり、ヴィブラートを練習することをお勧めします。

ヴィブラートをやることで、左手の無駄な力が制限され、
結果として運指もポジション移動もスムーズになるはずです。
指を押さえた次の瞬間には力が抜けて、次の音への準備を始める、という流れの実現にも
役立つ考え方です。

初心者は、大人であっても、音程が安定するまでヴィブラートを禁止しないと、
変な癖がついてしまうという考え方が大勢を占めるようですが、
それはヴィブラートに起因することではなく、
指の押さえ方・弦への触れ方の問題、または、音程感覚の問題であって、
ヴィブラートをやってはいけないことの理由にはなりません。
理想・目的に適していれば、練習項目にわざわざ垣根を作る必要はないのです。
そして、初心者にとって、到達目標地点があらかじめ見えるほうが、教え方として親切です。

あまりにもヴィブラートを温存しすぎることで、
左手が揺らがない形に慣れてしまい、
ヴィブラートの習得のハードルが無駄に上がりすぎることや、
ヴィブラートを含まない音程感覚が浸みつきすぎて、
ヴィブラートをやったときの違和感が起こること、逆に、
音程の中心を捉えたヴィブラートの習得に、また別にコツを見出す必要があることなど、
ヴィブラート込みで練習しないことによる弊害が大きいように思います。

ビジネス活動の品質管理や生産の効率化の手法として、
Plan（計画）→ Do（実行）→ Check（評価）→ Action（改善）という、
「PDCA」はよく言われることです。

楽器練習、あるいは楽器指導においても、このPDCAを考えることができます。

Plan（奏法の計画）→ Do（奏法の実践）→ Check（演奏効果の確認）→ Action（奏法の修正）
の PDCAサイクルを回し、細かい課題について試行・確認を繰り返すことで、
全体のブラッシュアップを目指すというのが、楽器練習のPDCAです。

楽器練習では、たとえば、日課となるような開放弦のボーイング練習などでは、
無自覚に繰り返して、ウォーミングアップできたという自己満足に陥りがちです。
こういうときに奏法のPlan、それに対するCheckが無いのは
せっかく日課でやっているのにも関わらず、非常にもったいないと思います。

無自覚な練習への反省として、このPDCAはとても有効です。

一方、この練習方法では、
PDCAの回転数が適切な場合にようやく理想の状態に到達できるのであって、
練習時間が十分でない場合は、
PDCAの回転不足により、単純に理想状態まで到達できないこと、または、
PDCAの回転数は多いものの、
課題に対する小練習や新しい課題設定（＝PlanとDo）が実情に比してハードルが高すぎるため、
確認の試奏（＝Check）後にもう一度同じ課題に取り組むなどの「後退」が起こること、
この２パターンのリスクが考えられます。

したがって、この楽器練習・指導のPDCAは、
物理的な練習時間が確保でき、かつ、 理想に対する改善策がある程度形式的な場合にのみ、
有効な考え方と言えます。

曲の一部がどうしても上手く弾けない
　↑ なぜ？
音が密集していて速い
　↑ なぜ？
指が回らない
　↑ なぜ？
指を適切なテンポ感で抑えられない
　↑ なぜ？
無駄な力が入っている
　↑ なぜ？
左手の構え方に難がある

一般的なフレームワークですが、
なぜ？なぜ？という問いを繰り返して深掘りをすると、
根本原因を明らかにすることができます。
ヴァイオリンの練習上でも当然、このフレームワークを利用することができます。

なぜできないのか？なぜそうなってしまうのか？を繰り返し、根本原因を探ります。

あまり繰り返し過ぎると、なぜヴァイオリンを弾きたいと思うのか、のような、
精神論的な部分にまで話が及んでしまうので、繰り返しは5回程度が良いと思います。

曲の一部がどうしても弾けない、よし、取り出して何度も繰り返し弾いて馴れよう！
という、
原因の表層だけを取り出して、それだけを潰そうとする練習は、
無駄とまでは言いませんが、非常にもったいないと思います。